ANIMALI FANTASTICI 3 - I SEGRETI DI SILENTE - DAL 15 AL 25 APRILE
2022-04-15 21:00 - 2022-04-25 23:00 (Europe/Rome) | Cinema Teatro Mac Mazzieri, via giardini, 190, Pavullo nel Frignano, 41026, Italia
DAL 15 AL 25 APRILE

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Venerdì 15: ore 21.00

Venerdì 22: ore 21.00 PROIEZIONE IN LINGUA ORIGINALE con sottotitoli in italiano

Sabato 16 e 23: ore 18.00 e 21.00

Domenica 17 e 24: ore 18.00 e 21.00

Lunedì 18 e 25: ore 18.00 e 21.00

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Per tutte le attività gratuite relative all’uscita del film clicca qui

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Regia: David Yates.

con: Kevin Guthrie, Poppy Corby-Tuech, Jessica Williams, Mads Mikkelsen, Ezra Miller.

Genere: Avventura

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Il professor Albus Silente (Jude Law) sa che il potente mago oscuro Gellert Grindelwald (Mads Mikkelsen) è intenzionato a prendere il controllo del mondo magico. Non essendo in grado di fermarlo da solo, Silente affida al magizoologo Newt Scamander (Eddie Redmayne) il compito di guidare un’intrepida squadra di maghi, streghe e un coraggioso Babbano pasticcere in una pericolosa missione, dove incontrano vecchie e nuove creature e si scontrano con la crescente legione di seguaci di Grindelwald. Con una posta in gioco così alta, quanto a lungo Silente potrà restare in disparte?

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ANIMALI FANTASTICI Creature straordinarie tra mito e scienza
2022-04-15 08:00 - 2022-04-26 17:00
Tante iniziative in occasione dell’uscita del film “Animali fantastici – I segreti di Silente”
in programmazione al cinema Mac Mazzieri dal 15 al 25 aprile:
Venerdì 15, Lunedì 18 e 25: ore 21
Sabato 16 e 23, Domenica 17 e 24: ore 18.00 e 21.00
Venerdì 22: ore 21.00 – PROIEZIONE IN LINGUA ORIGINALE

Dal 15 al 25 aprile
CINEMA MAC MAZZIERI e BIBLIOTECA
Caccia al tesoro negli orari d’apertura.
Trova gli animali fantastici nascosti e scopri il tuo premio.

CINEMA MAC MAZZIERI
Mostra permanente “La valigia di Newt Scamander”
con le creature magiche realizzate da Sauro Tomei e l’esposizione a cura della “Libreria La Sorgente”

Sabato 16 Aprile ore 16.30
CINEMA MAC MAZZIERI
Letture a cura della Biblioteca e dei volontari di Nati per Leggere
Giochi e premi in compagnia degli animali fantastici
Partecipazione gratuita con iscrizione obbligatoria
Info e prenotazioni : info@cinemateatromacmazzieri.it, whatsapp 3332455578

Martedì 26 aprile ore 16.30
FABBRICA DELLE ARTI
“VIAGGIO NEL PAESE DI ANIMALANDIA”
Creature fantastiche tra Luci e Colori
Laboratorio per bambini dai 4 ai 10 anni e per famiglie
Partecipazione gratuita con iscrizione obbligatoria
Info/prenotazioni: UIT Pavullo – tel. 0536 29964 mail: uit@comune.pavullo-nel-frignano.mo.it

Dal 15 al 30 aprile
BIBLIOTECA
Vieni in biblioteca, prendi in prestito un libro della bibliografia
“Animali Fantastici” e avrai una … fantastica sorpresa!
Orari di apertura Biblioteca: Dal lunedì al venerdì 14.30-19, sabato 9-13
Tel. 0536.21213 – mail. biblioteca@comune.pavullo-nel-frignano.mo.it

Per accedere al cinema è necessario il green pass rafforzato sopra i 12 anni e la mascherina ffp2 sopra i 6 anni. Per accedere al laboratorio e al prestito in biblioteca è necessaria solo la mascherina chirurgica o superiore.

MORBIUS - DALL'1 ALL'11 APRILE
2022-04-11 21:00 - 23:00
DALL’1 ALL’11 APRILE

Venerdì 1: ore 21.00

Venerdì 8: ore 21.00 IN LINGUA ORIGINALE CON SOTTOTITOLI IN ITALIANO

Sabato 2 e 9: ore 18.30 e 21.00

Domenica 3 e 10: ore 18.30 e 21.00

Lunedì 4 e 11: ore 21.00

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Regia: Daniel Espinosa.

con: Jared Leto, Michael Keaton, Matt Smith, Jared Harris, Sam Wilkinson.

Genere: Azione, Fantasy, Horror

Durata: 108 minuti

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Biologo geniale, Michael Morbius è tormentato da una malattia degenerativa del sangue, molto rara, che peggiora sempre più velocemente e minaccia di portarlo in breve tempo fino alla morte. Convinto che solo dalla biologia potrebbe trarre una cura per la sua condizione, Michael decide di tentare il tutto per tutto per guarire e sottoporsi a una temeraria contaminazione vampirica con dei pipistrelli. Il contatto coi chirotteri in qualche modo guarisce effettivamente la sua patologia ma ha anche delle conseguenze totalmente inattese sulla sua struttura biologica. Morbius diventa un essere a metà tra l’umano e il vampiro, preda di un’incontrollabile voglia di sangue – che diventa il suo unico alimento – ma anche del continuo timore di poter essere causa di dolore e sofferenza per le altre persone e ovviamente dal senso di colpa per ciò che fa quando è preda della sete di sangue.

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LOVE POEMS - GIOVEDI' 7 APRILE
2022-04-07 21:00 - 23:30
GIOVEDI’ 7 APRILE – ORE 21.00

DANZA

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Coreografie di Mauro Bigonzetti, Michele Merola, Thomas Noone
Danzatori Emilia Campo, Dylan Di Nola, Lorenzo Fiorito, Matilde Gherardi, Fabiana Lonardo, Annalisa Perricone, Nicola Stasi, Giuseppe Villarosa
Produzione MM Contemporary Dance Company

Sotto il titolo Love Poems la MM Contemporary Dance Company presenta una serata composta da tre nuove coreografie tutte all’insegna del contemporaneo: “Duetto inoffensivo” (estratto da “Rossini Cards”) di Mauro Bigonzetti, “Brutal Love Poems” di Thomas Noone e “Vivaldi umane passioni” di Michele Merola. Le coreografie della serata, unite dal comune denominatore di una spiccata musicalità, sono caratterizzate da una forte implicazione tanto interpretativa quanto tecnica, che mettendo in luce la versatilità stilistica e la straordinaria bravura dei danzatori della compagnia. Da un brano all’altro, la danza diventa tutt’uno con la musica, sposandone la ricchezza compositiva grazie a coreografie che privilegiano il movimento, la plasticità, ma anche l’importanza del singolo gesto. Ad interpretare le coreografie, sette danzatori della MM Contemporary Dance Company, realtà di eccellenza della danza italiana, con una consolidata attività di spettacoli su tutto il territorio nazionale.

HOW TO DESTROY YOUR DANCE - MARTEDI' 5 APRILE
2022-04-05 21:00 - 23:30
MARTEDI’ 5 APRILE – ORE 21.00

DANZA

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ideazione, regia, coreografia:
Francesca Pennini

drammaturgia e tecnica:

Angelo Pedroni

azione e creazione: 9 interpreti a rotazione tra
Simone Arganini

Niccolò Cattani

Margherita Elliot

Carolina Fanti

Teodora Grano

Orlando Izzo

Fabio Novembrini

Carmine Parise

Angelo Pedroni

Francesca Pennini

Ilaria Quaglia

Giulio Santolini

Stefano Sardi

Giulia Sposito

musica:

Wolfgang Amadeus Mozart Reloaded

elaborazione sonora e ricomposizioni musicali:

Simone Arganini

organizzazione:

Carmine Parise

produzione:

CollettivO CineticO

foto di Camilla Caselli

Della permeabilità dei corpi. Di corpi che diventano luoghi.
Di geografie che traslocano segni. Del piegarsi verso est.
Di quello scarto percettivo che ti fa sembrare tutto simmetrico ma che poi non lo é mica. Di quell’eccesso di visibilità che ti sposta di una diottria (ecco che le due spalle sono diverse). Di quel piede appena più stretto nella scarpa. Di un certo ordine cardinale che rimane lo stesso quando tutto cambia. Di uno stare appena scomodi (consenziente). Di abitanti accelerati in una giungla di gesti. Di un eventuale temporale estivo.
Di questo discuteremo. Poi tutto dipenderà da tutto.

Quanto dura un minuto?
Quali sono i limiti del corpo?
Quanto può rallentare fino a toccare la più cosmica immobilità o perdere ogni definizione e trasformarsi in scia ultrarapida?

How to destroy your dance è una sfida contro il tempo dai toni pulp e il gusto ludico.
Un manuale per il boicottaggio di ogni decoro coreografico tra accelerazioni impossibili e slow motion estremi.
Un gioco al massacro senza finzione e senza risparmio dove i danzatori diventano wrestlers della relatività e lo spettacolo è messo a nudo dalla ritualità intima della preparazione alla scena alla distruzione di ogni artificio formale.

“Una sfida contro il tempo e i propri limiti: questo è How To Destroy Your Dance di CollettivO CineticO in cui Francesca Pennini e i suoi performer danno conto della loro creatività e doti espressive. E’ un gioco, un gioco a essere, a sfidarsi e a mettere alla prova le proprie capacità e resistenza: che si tratti di tenere in spalle un uomo di ottanta chili e dire l’Ave Maria in latino, oppure di fare un tot di giri di campo in un tot di tempo, o ancora di fare oltre sessanta piroette di seguito, o ancora di dire le tabelline. CollettivO CineticO gioca e si mette alla prova e lo fa con un gusto sadico ma leggero che coinvolge lo spettatore. C’è voglia di vedere fino a chi punto si può resistere, fino a che punto la sincronia dei corpi abbia una bellezza immutabile, quanto la variazione del ritmo possa influire sull’armonia di quei corpi che si muovono nello spazio come un solo elemento. Col rischio di ripetersi, non si può che osservare come il gruppo di Francesca Pennini abbia dalla sua una capacità e una voglia di mettersi alla prova a tratti unici, come sappia declinare con leggerezza e ironia le proprie capacità espressive, non prendendosi sul serio, ma agendo con una serietà esecutiva che non fa sconti né a chi è in scena né a chi assiste, chiedendo un pari impegno e partecipazione, emotiva e di intelletto. CollettivO CineticO in How To Destroy Your Dance si conferma un ensemble non solo affiatato, non solo ben assortito, non solo coeso, ma soprattutto una macchina da guerra che sa fare della danza ogni volta un linguaggio nuovo, un’esperienza imprevedibile per lo spettatore professionista come per colui che vi si imbatte nulla sapendo di Francesca Pennini e i suoi ragazzi. Anche questo è il bello di un festival che ti chiede di entrare nel cuore di quell’alchimia strana e ogni volta nuova e irripetibile che è il teatro.“

[ Nicola Arrigoni – Sipario – 07/07/2018 ]

MAC DANCE WEEK - DAL 31 MARZO AL 7 APRILE
2022-03-31 08:00 - 2022-04-07 23:30
Un’intera settimana dedicata alla danza si svolgerà dentro e fuori il Cinema Teatro Mac Mazzieri tra
performance, workshop e laboratori negli spazi del Palazzo Ducale in occasione degli spettacoli How to destroy your dance di CollettivO CineticO e Love Poems di MM Contemporary
Dance Company.

ATER FONDAZIONE in collaborazione con l’Amministrazione comunale, l’Associazione Culturale Le Muse, il Centro Danza Studio D.I.A. e l’Associazione Fabbrica delle Arti, propongono un vero e proprio viaggio nel pianeta danza che coinvolgerà grandi e piccini.

Il lavoro di ricerca di CollettivO CineticO indaga la natura dell’evento performativo con formati al contempo ludici e rigorosi che si muovono negli interstizi tra danza, teatro e arti visive.

MM Contemporary Dance Company è, a tutti gli effetti, una realtà di eccellenza della danza italiana di oggi, con una consolidata attività di spettacoli su tutto il territorio nazionale: una realtà ospitata in moltissimi Teatri nella gran parte delle regioni italiane, invitata in festival e rassegne di rilievo, che
collabora con la quasi totalità dei Circuiti regionali.

L’Associazione Culturale Le Muse da trentaquattro anni si impegna con passione affinché chiunque avverta dentro di sé il richiamo della danza possa imparare i passi giusti per comporre la propria coreografia e realizzare i propri sogni. Le discipline proposte vanno dalla Propedeutica fino al Classico Avanzato, alla Danza Contemporanea, l’Hip Hop e la Break Dance.

Il Centro Danza Studio D.I.A. conta circa 160 allievi dai 4 ai 61 anni e 7 docenti, tutti accomunati da
uno spirito comune: divertirsi ed esprimere sé stessi attraverso un linguaggio universale come la danza.
Contemporaneo, Classico, Hip Hop, Break Dance, Pole Dance, Ginnastica Ritmica, Ginnastica Artistica sono i corsi proposti.

— giovedì 31 marzo, venerdì 1 e lunedì 4 aprile 2022 —
WORKSHOP CON MM CONTEMPORARY DANCE COMPANY
La MM Contemporary Dance Company terrà per gli allievi corsisti del Centro Danza Studio D.I.A. e dell’Associazione Culturale Le Muse un workshop curato dal Maestro Michele Merola, coreografo e direttore artistico della Compagnia.

— martedì 5 aprile 2022, ore 16.40 —
Palazzo e Parco Ducale di Pavullo nel Frignano
A S-PASSO DI DANZA
UN VIAGGIO NELLA STORIA DELLA DANZA

a cura di Paola Ducci attrice – danzatrice / Laboratorio per bambini dai 4 ai 7 anni /
promosso da Assessorato alla Cultura del Comune di Pavullo n/F. e FaBbRiCa delle Arti

Cinque tappe esperienziali per far rivivere ai bambini la storia della danza, un
laboratorio itinerante di “narrazione, musica e danza” attraverso un percorso che
contempla 5 tappe in cui sono allestite altrettante aree tematiche. Tersicore, musa
della danza, accompagnerà i piccoli spettatori in questo viaggio nel tempo per
conoscere la storia della danza dalle origini ai giorni nostri.

Ritrovo presso il Parco Ducale, via Giardini 3, Pavullo nel Frignano
Partecipazione gratuita con iscrizione obbligatoria

— martedì 5 aprile 2022, ore 21 —
Cinema Teatro Walter Mac Mazzieri
HOW TO DESTROY YOUR DANCE

regia, coreografia Francesca Pennini / drammaturgia Angelo Pedroni / musica W. A. Mozart / elaborazione sonora Simone Arganini / interpreti: cast a rotazione tra i membri della compagnia / produzione CollettivO CineticO
“How to destroy your dance è una sfida contro il tempo dai toni pulp e dal
gusto ludico. Un manuale per il boicottaggio di ogni decoro coreografico tra
accelerazioni impossibili e slow motion estremi. Un gioco, un gioco a essere, a
sfidarsi e a mettere alla prova le proprie capacità e resistenza attraversato sempre
da una profonda ironia e studiato per coinvolgere lo spettatore, fino alla totale
distruzione di ogni finzione e artificio scenico formale”.
Lo spettacolo può prevedere la presenza minima del nudo integrale
— mercoledì 6 aprile 2022, ore 21 —
Cinema Teatro Walter Mac Mazzieri
NEVE

A cura del Centro Danza Studio D.I.A. / ideazione Luca Degl’Antoni / coreografie Jon B
Yuko è un diciassettenne ribelle che lascia la famiglia per diventare un poeta.
Nelle sue poesie parla del bianco della neve. Si metterà in viaggio per aprirsi a
nuove esperienze e a un mondo di ritrovati colori. Un componimento coreografico
ispirato all’omonimo romanzo di Maxence Fermine messo in scena da cinque
danzatori del Junior Ballet D.I.A.
— a seguire —
MOTUS ANIMI

a cura dell’Associazione Culturale Le Muse / coreografie di Emanuela Vedovelli,
Martina Cumbo e Alexandr Serov
L’Associazione Culturale Le Muse vi offrirà uno spaccato del suo lavoro portando
sul palco una selezione di coreografie di danza classica, contemporanea e hip hop.
Lasciatevi conquistare, sognate, danzate!
Ingresso gratuito con prenotazione obbligatoria
— giovedì 7 aprile 2022, ore 21 —
Cinema Teatro Walter Mac Mazzieri
LOVE POEMS

coreografie di Mauro Bigonzetti, Michele Merola, Thomas Noone / danzatori Emiliana Campo, Dylan Di Nola, Mario Genovese, Matilde Gherardi, Fabiana Lonardo, Annalisa Perricone, Alice Ruspaggiari, Nicola Stasi, Giuseppe Villarosa / produzione MM Contemporary Dance Company
Una serata composta da tre nuove coreografie tutte all’insegna del contemporaneo e
unite dal comune denominatore di una spiccata musicalità. Da un brano all’altro, la
danza diventa tutt’uno con la musica, sposandone la ricchezza compositiva grazie
a coreografie che privilegiano il movimento, la plasticità, ma anche l’importanza
del singolo gesto, mettendo in luce la versatilità stilistica e la straordinaria
bravura dei danzatori della compagnia.
Prima dello spettacolo verrà presentata una breve performance interpretata dagli allievi
che hanno partecipato al workshop di MM Contemporary Dance Company.
Per informazioni e prenotazioni

Per prenotazioni spettacoli 5 e 7 aprile:
Cinema Teatro Walter Mac Mazzieri
via Giardini 190, Pavullo nel Frignano (MO)
tel. 0536 304034 – whatsapp 3332455578
info@cinemateatromacmazzieri.it
cinemateatromacmazzieri.it

Per prenotazioni laboratorio 5 aprile:
UIT Pavullo
Via Giardini 3, Pavullo nel Frignano (MO)
tel. 0536 29964 – @artepavullo
uit@comune.pavullo-nel-frignano.mo.it
www.comune.pavullo-nel-frignano.mo.it

Per prenotazioni spettacoli 6 aprile:
Centro danza studio D.I.A.
via Giardini 214, Pavullo nel Frignano (MO)
tel. 0536 326010 – 346 0564889
centrodanzastudiodia@gmail.com

Associazione culturale Le Muse
Viale Rimembranze 5, Lama Mocogno (MO)
Via Dorando Pietri 2, Pavullo nel Frignano (MO)
tel. 339 4305591
associazioneculturalelemuse87@gmail.com

Per scaricare la brochure con il programma degli eventi clicca qui

HOUSE OF GUCCI - MERCOLEDI' 30 MARZO
2022-03-30 21:00 - 23:30
MERCOLEDI’ 30 MARZO

Proiezione unica: ore 21.00

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Prenota inviando una mail a info@cinemateatromacmazzieri.it

o inviando un messaggio whatsapp al numero 3332455578

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Regia: Ridley Scott

con: Lady GaGa, Adam Driver, Jared Leto, Jeremy Irons, Al Pacino, Camille Cottin.

Genere: Drammatico

Durata: 158 minuti

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Recensione di Pedro Armocida

Anni ’70. Patrizia Reggiani conosce a una festa Maurizio Gucci, rampollo della dinastia Gucci, una tra le piu` celebri nel mondo della moda. Nasce una storia d’amore, dapprima osteggiata dal patriarca della famiglia, Rodolfo Gucci, ma poi arriva il matrimonio e la prole. La sfrenata ambizione della donna, che vorrebbe indirizzare le politiche aziendali del marchio Gucci, la porterà a tessere spericolate strategie, come quelle con lo zio del marito, Aldo Gucci, che incrineranno i rapporti familiari, innescando una spirale incontrollata di tradimenti, decadenza, vendette. Fino a un tragico epilogo che è cronaca nera, e vera, del nostro paese.

La nuova parabola sul potere di Ridley Scott è un fiammeggiante melodramma su una famiglia che implode. Una discesa agli inferi sostenuta da eccellenti prove attoriali, in primis quella di Lady Gaga.

House Of Gucci è la telenovela della dinastia Gucci oppure la dinastia Gucci è la telenovela di House Of Gucci? Insomma sì, naturalmente, tutt’e due le cose perché il film di Ridley Scott è una vera e propria soap su una realtà che ne aveva tutti i caratteri. In questo senso il regista britannico, che ha appena compiuto 84 anni, firma un film libero e molto contemporaneo che dialoga con il suo recentissimo The Last Duel per il discorso sul potere in cui, a prescindere evidentemente dal capitalismo finanziario comunque vivisezionato nel precedente Tutti i soldi del mondo, il pesce piccolo è mangiato dal più grande anche, soprattutto?, in ambito familiare (ogni accenno a Il Padrino è voluto).

Ed è proprio su questo aspetto, sulla trinità “nel nome del padre, del figlio e della famiglia Gucci”, che il film si concentra. I meccanismi messi in moto da una grande azienda, ma a carattere familiare, vengono minuziosamente smontati da Ridley Scott che si abbandona completamente, essendone però l’artefice, al lavoro degli attori.

La macchina da presa segue Lady Gaga, lacca in testa, diventare Patrizia Reggiani e prendersi così tutto il film, ogni sequenza, ogni primo piano con quei fulminanti lampi negli occhi. È l’attrice perfetta che abbiamo conosciuto in A Star Is Born e che dimostra enormi potenzialità se solo lasciasse perdere la musica.

In questo straordinario lavoro attoriale, Adam Driver, pur nella sua ricercata impassibilità, dà spazio e apertura al personaggio di Maurizio Gucci e alla sua parabola trasformista. Anche l’interpretazione più ‘pazza’, quella parodistica e autofarsesca di Jared Leto che, invece di parlare, quasi canta come se stesse in un’opera buffa (peraltro la musica nel film è un vero e proprio personaggio), ha il suo motivo d’essere perché, nel ruolo tragico del figlio idiota – “ma è il mio idiota” dice di lui il padre Aldo Gucci interpretato da un gigantesco Al Pacino che duetta con Leto come se stessero al Saturday Night Live -, sta raccontando i discendenti di seconda e terza generazione che non sono mai al livello dell’avo, capitano d’industria.

Ma lo sguardo di Scott sui Gucci è ancora più profondo, perché ci mostra un’intera famiglia immobilizzata, congelata, legata a un passato glorioso ma irrimediabilmente superato. Complice anche l’assenza di un vero e proprio leader: Aldo Gucci è alle prese con il piccolo cabotaggio di controllo del commercio delle imitazioni e prepara lo sbarco nei centri commerciali, mentre il fratello Rodolfo Gucci, interpretato sottilmente da Jeremy Irons, vive la sua distanza finto aristocratica da tutto e da tutti: «Gucci è da museo non da centro commerciale». E infatti «nessuno oggi vorrebbe lavorare da loro» si sente dire Maurizio Gucci a una sfilata. Per questo è uscito, proprio come il genio dalla lampada, come direttore creativo lo sconosciuto texano Tom Ford che, appena esordisce con successo sulle passerelle, la prima cosa che fa è telefonare alla mamma a Austin.

Prende così sempre più forma, nella sceneggiatura di Becky Johnston e Roberto Bentivegna dal libro di Sara Gay “Forden House of Gucci. Una storia vera di moda, avidità, crimine” (Garzanti), il personaggio di Domenico De Sole, l’avvocato di famiglia che sfilerà ai Gucci l’impero attraverso gli investitori iracheni. Tutto, a questo punto, in House Of Gucci si fa fiammeggiante melodramma imploso, i colori della fotografia di Dariusz Wolski, per la verità mai sgargianti, si ingrigiscono. Le vite ingabbiate, per via dei ruoli sociali, lo diventano realmente: Aldo Gucci finisce in carcere per evasione fiscale, Maurizio Gucci entra e esce dalle porte girevoli della sua stessa azienda in due sequenze speculari mirabilmente ritmate dal montaggio di Claire Simpson e Patrizia Reggiani prenderà la decisione finale che qualsiasi soap se la sogna.

Un viaggio, dalla seduzione all’odio, in meno di 30 anni, una discesa agli inferi rispecchiata con ironica tragicità nelle due ore e trentotto di questo film che è tutto una sorpresa.

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IL CAPO PERFETTO - DAL 26 AL 28 MARZO
2022-03-28 21:00 - 23:00
DAL 26 AL 28 MARZO

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Sabato: ore 21.00

Domenica: ore 18.30

Lunedì: ore 21.00

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Regia: Fernando León de Aranoa

con: Javier Bardem, Manolo Solo, Almudena Amor, Óscar de la Fuente, Sonia Almarcha.

Genere: Commedia

Durata: 115 minuti

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In attesa della visita di una commissione che valuterà il vincitore di un importante concorso pubblico, il signor Blanco, padrone di una ditta di bilance, cerca di tenere insieme i pezzi della sua vita privata e lavorativa: interviene personalmente per risolvere i problemi del capo della produzione; mantiene buoni rapporti con la moglie nonostante la tradisca con la nuova stagista; con il capo del personale e la guardia giurata dello stabilimento gestisce la protesta di un ex dipendente licenziato appostatosi ai cancelli; con tagli, cambi di mansioni e decisioni insindacabili fa affari con piglio gentile ma deciso. Blanco è il capo perfetto: un padre buono che vedi i propri dipendenti come dei figli ed è disposto a tutto pur di salvare l’azienda…

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SCOMPARTIMENTO N.6 - DA VENERDI' 25 A DOMENICA 27 MARZO
2022-03-27 21:00 - 23:00
DA VENERDI’ 25 A DOMENICA 27 MARZO

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Venerdì: ore 21.00

Sabato: ore 18.30

Domenica: ore 21.00

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Regia: Juho Kuosmanen

con: Seidi Haarla, Yuriy Borisov, Yuliya Aug, Lidia Costina, Tomi Alatalo.

Genere: Drammatico

Durata: 107 minuti

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Laura è una ragazza finlandese che vive a Mosca, dove ha una relazione con la professoressa Irina e si gode di riflesso la sua vita glamour fatta di ricevimenti intellettuali e mondani nel grande appartamento. Irina spesso la delude, come quando decide di non partire con lei per un viaggio verso Murmansk per vedere i petroglifi. Ma Laura non si perde d’animo e parte lo stesso, tutta sola, per un lungo, epocale viaggio in treno attraverso la Russia. Prima di raggiungere Murmansk, avrà tempo di stringere un’amicizia con il suo compagno di cuccetta, Ljoha.

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https://www.youtube.com/watch?v=IttDOnSO16Q

ANIMALI DA BAR - GIOVEDI' 24 MARZO
2022-03-24 21:00 - 23:30
GIOVEDI’ 24 MARZO – ORE 21.00

PROSA

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drammaturgia Gabriele Di Luca

regia Alessandro Tedeschi, Gabriele Di Luca, Massimiliano Setti

con Beatrice Schiros, Gabriele Di Luca, Massimiliano Setti, Pier Luigi Pasino, Paolo Li Volsi

voce fuori campo Alessandro Haber

musiche originali Massimiliano Setti

uno spettacolo di Carrozzeria Orfeo

in coproduzione con Marche Teatro

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La visione dello spettacolo non è raccomandata ad un pubblico di età inferiore ai 14 anni

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Un bar abitato da personaggi strani: un vecchio malato, misantropo e razzista che si è ritirato a vita privata nel suo appartamento; una donna ucraina dal passato difficile che sta affittando il proprio utero ad una coppia italiana; un imprenditore ipocondriaco che gestisce un’azienda di pompe funebri per animali di piccola taglia; un buddista inetto che, mentre lotta per la liberazione del Tibet, a casa subisce violenze domestiche dalla moglie; uno zoppo bipolare che deruba le case dei morti il giorno del loro funerale; uno scrittore alcolizzato costretto dal proprio editore a scrivere un romanzo sulla grande guerra.

Sei animali notturni, illusi perdenti, che provano a combattere, nonostante tutto, aggrappati ai loro piccoli squallidi sogni, ad una speranza che resiste troppo a lungo.

E se appoggiati al bancone troviamo gli ultimi brandelli di un occidente rabbioso e vendicativo, fatto di frustrazioni, retorica, falsa morale e decadenza, oltre la porta c’è il prepotente arrivo di un “oriente” portatore di saggezze e valori ormai però svuotati del loro senso originario e commercializzati come qualunque altra cosa.

Tutto è venduto, sfruttato e contrattato in Animali da Bar. La morte e la vita, come ogni altra merce, si adeguano alle logiche del mercato.

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Lo spettacolo è audiodescritto per non vedenti e ipovedenti a cura del Centro Diego Fabbri di Forlì.

Anche per la stagione 2021/22, ATER aderisce con il Cinema Teatro Mac Mazzieri a “Teatro No Limits”.

Il progetto, grazie al contributo della Regione Emilia-Romagna, porta l’audiodescrizione a teatro e consente anche alle persone non vedenti e ipovedenti di apprezzare questa arte meravigliosa. L’audiodescrizione rende “visibili” scene, costumi e movimenti degli attori, cioè quei particolari silenziosi che permettono al pubblico con disabilità visiva di assistere pienamente allo spettacolo.

Ingresso omaggio per gli utenti non vedenti e ipovedenti.

Info e prenotazioni:

– Cinema Teatro Mac Mazzieri tel 0536 304034 info@cinemateatromacmazzieri.it

– Centro D. Fabbri tel. 054330244 cell 328 243 5950 info@centrodiegofabbri.it

WATERMARK - L'ACQUA E' IL BENE PIU' PREZIOSO - MERCOLEDI' 23 MARZO
2022-03-23 21:00 - 23:30
MERCOLEDI’ 23 MARZO

Proiezione unica: ore 21.00

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Regia: Jennifer Baichwal, Edward Burtynsky

con: Inocencia González Sainz, Marcus Schubert, Bill Nance, Rafikul Islam Sarkar, Oscar Dennis.

Genere: Documentario

Durata: 92 minuti

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UN DOCUMENTARIO SUL FUTURO DALLE IMMAGINI IMPONENTI E NECESSARIE.
Recensione di Giancarlo Zappoli

La documentarista Jennifer Baichwal, che aveva già collaborato nel 2006 con il fotografo Edward Burtynsky per un documentario sull’impatto dell’industrializzazione sull’ecosistema torna nel 2013 a testimoniare con immagini in movimento il processo che porta alla pubblicazione di un libro ricco di foto dal titolo “Water”. Si tratta di un film che mostra come l’elemento fondamentale per l’esistenza dell’essere umano sia stato da questi utilizzato ma anche sprecato.

Dopo l’impatto considerevole che un documentario come Antropocene ha avuto su coloro che hanno avuto l’opportunità di vederlo è importante che la distribuzione nel nostro Paese proponga questo lavoro del 2013 che, purtroppo, non è per nulla invecchiato e che si presenta come un monito che ha bisogno di essere reiterato sperando che qualcuno lo ascolti ed intervenga.

Le immagini che aprono il film forniscono la chiave di lettura di ciò che seguirà. Alle insistite riprese di vortici d’acqua di altezza considerevole vengono brutalmente (e per questo ancor più significativamente) contrapposte le immagini di una vasta area inaridita che un tempo, come ci viene descritto da una donna nativa le cui rughe sul volto sembrano riprodurre le fratture del terreno, era il letto di un fiume. Baichwal e Burtynsky, a partire da questo incipit, ci fanno viaggiare dalla Cina al Bangladesh, dagli Stati Uniti all’India per mostraci come l’ingegno umano abbia saputo sfruttare la presenza dell’acqua ma anche come avidità ed insipienza abbiano condotto al depauperamento di questo bene essenziale.

Sono immagini imponenti sia sul piano puramente estetico che su quello della necessaria riflessione su un futuro che, come ci viene ricordato dai Friday for Future, non è più così lontano e non promette molto di buono. L’ulteriore pregio di questo documentario è dato dal fatto che non si presenta come un pamphlet di denuncia non omettendo di mostrare opere di alta ingegneria idraulica che hanno reso fertili aree altrimenti non coltivabili.

Mentre ci mostra queste immagini si permette anche di ricordarci che in più di un caso il vantaggio di un’area ha comportato l’impoverimento di un’altra. Il titolo, che tradotto letteralmente significa “livello dell’acqua”, ci ricorda che troppo spesso dimentichiamo di tenere sott’occhio i giusti livelli necessari affinché l’ecosistema resti bilanciato. Faremmo invece bene a farlo.

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ENNIO - DA VENERDI' 18 A LUNEDI' 21 MARZO
2022-03-21 21:00 - 23:00
DA VENERDI’ 18 A LUNEDI’ 21 MARZO

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Venerdì: ore 21.00

Sabato: ore 18.15 e 21.00

Domenica: ore 18.15 e 21.00

Lunedì: ore 21.00

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Regia: Giuseppe Tornatore

con: Ennio Morricone, Marco Bellocchio, Carlo Verdone, Mychael Danna, David Puttnam

Genere: Documentario

Durata: 150 minuti

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Giuseppe Tornatore ha collaborato col Maestro – definizione per una volta appropriata – in un arco temporale che va da Nuovo Cinema Paradiso (1988) a La corrispondenza (2016), frequentandolo per circa trent’anni. Nel 2018 ha scritto “Ennio. Un maestro” (Harper Collins), intervista fluviale e conversazione franca, a trecentosessanta gradi: in Ennio ne riprende argomenti, andamento cronologico e tono disteso, modesto, autocritico con cui Morricone si era concesso alle sue domande. Attorno a lui, nel film, una schiera di musicisti, registi, colleghi ed esperti portano testimonianze rilevanti e inerenti una carriera straordinaria, che supera il concetto di prolifico: centinaia le opere firmate, da Il federale (1961) all’unico Oscar vinto per una colonna sonora, The Hateful Eight nel 2016, a 87 anni.

Morricone – che, come tutti i classici, non morirà mai e di cui è quindi legittimo parlare al presente – vive perennemente con la musica in testa e va a tempo anche quando fa esercizio fisico sul tappeto di casa.

Ecco perché Ennio si apre con un’alternanza brillante di opposti movimenti di direzione d’orchestra e stretching domestico, dando l’attacco a un’immersione competente e appassionata nella carriera di un compositore dall’opera incalcolabile, che ha spaziato in ambiti molto diversi. Erroneamente identificato in tutto il mondo per lo più per le invenzioni strumentali e rumoristiche dei western di Sergio Leone e accompagnato per tutta la vita dal dispiacere per un pregiudizio accademico nei suoi confronti.

Il pregio di Ennio, non solo dentro il genere documentario, risiede nella sua semplicità e chiarezza così difficili da raggiungere, ma ancor prima nel fatto che Tornatore abbia concepito la propria linea narrativa come una partitura musicale. Il montaggio aggraziato e puntuale di Massimo Quaglia e Annalisa Squillaci rende questa cavalcata di oltre due ore e mezzo tra film e pentagrammi uno svelamento seducente anche per non addetti ai lavori, che non si vorrebbe finisse mai, perché, tra aneddotica e archivio cinematografico, la musica e le sue leggi restano a fuoco.

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LIZZY E RED - AMICI PER SEMPRE - SABATO 19 E DOMENICA 20 MARZO
2022-03-20 16:30 - 18:00
SABATO 19 E DOMENICA 20 MARZO

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Sabato: ore 16.30

Domenica: ore 16.30

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Regia: Jan Bubenicek, Denisa Grimmová.

con: Marc Thompson, Mike Pollock, Wayne Grayson, Paul Castro Jr., Jirí Lábus.

Genere: Animazione, Avventura, Commedia

Durata: 80 minuti

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La topolina Lizzy è figlia di un padre coraggioso, un eroe della sua comunità, scomparso per colpa di una volpe vorace. Anche lei vorrebbe possedere lo stesso coraggio, così un giorno si sfida e avvicina una giovane volpe nel sonno. Un incidente improvviso li spedisce però entrambi all’altro mondo. Qui, lontano da casa e dalle leggi della natura terrena, i due mortali nemici scopriranno il valore di un’amicizia immortale.

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NOWHERE SPECIAL - Una storia d'amore - MERCOLEDI' 16 MARZO
2022-03-16 21:00 - 23:00
MERCOLEDI’ 16 MARZO

Proiezione unica: ore 21.00

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Regia: Uberto Pasolini.

con: James Norton, Daniel Lamont, Eileen O’Higgins, Valerie O’Connor, Stella McCusker

Genere: Drammatico

Durata: 96 minuti

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UN FILM DI IMMAGINI TANTO SEMPLICI QUANTO ELEQUENTI, CHE METTONO IN POESIA LA CRUDELTÀ DELLA VITA.
Recensione di Marianna Cappi

John è un trentaquattrenne gentile e silenzioso, che di mestiere fa il lavavetri, in giro per Belfast. La sua esistenza terrena è condannata ad esaurirsi a brevissimo termine, per colpa di un male incurabile. Nel poco tempo che gli rimane, John deve fare la cosa più importante della sua vita: trovare una famiglia per il suo bambino di quattro anni, Michael, visto che la madre li ha lasciati entrambi poco dopo la sua nascita. Mentre visitano le coppie disponibili e selezionate per l’adozione, John e Michael passano insieme la loro giornata, trasformando ogni gesto quotidiano in una memoria preziosa.

Il padre deve imparare a morire, il bambino a vivere. Lo fanno tenendosi per mano nell’attraversare la strada, quella che porta a scuola ma anche quella che porta all’addio.

Uberto Pasolini torna dunque sul luogo del trapasso, come in Still Life: non è più l’immediatamente dopo, ma l’immediatamente prima, e la sua penna è ancora la stessa, sottile e precisa, perfettamente inchiostrata, tanto autoriale quanto accessibile, nell’approccio ad un genere, quello del dramma sentimentale, che pochissimi perseguono con tanta frontalità e tale discrezione.

Ancora una volta, il film è in mano ad un interprete eccellente, James Norton, e alla nitidezza delle inquadrature, alla loro temporalità estranea alla frenesia della vita urbana, sgombra da tutto ciò che è disavanzo o orpello cinematografico. Tanto che l’immagine di apertura, con il protagonista che ripulisce con cura una grande vetrata, mondandola da tutto ciò che la offusca, si può leggere come una dichiarazione d’intenti, la ricerca (riuscita) di una verità della relazione padre-figlio che è al centro del racconto, di uno sguardo sul mondo non filtrato, in cui riflettersi per quello che si è, e leggere con trasparenza nelle vite degli altri.

Colpito dalla cronaca vera di questa vicenda, Pasolini l’ha tradotta in immagini tanto semplici quanto eloquenti, che non conoscono la durezza del cinema dei Dardenne ma piuttosto una commovente sospensione e una malinconia, sottolineata dalla colonna sonora, che il regista non rifugge ma abbraccia, senza sentimentalismo.

Sono le immagini mute di un adolescente con lo zaino in spalla che si allontana nello specchietto retrovisore, della candelina di compleanno in più che Micheal mette nella mano di John, della casa degli specchi del lunapark che restituisce le loro figure deformate, con Michael alto alto e John più piccolo, per sempre troppo giovane. Piccole grandi idee di scrittura visiva che trascendono il realismo senza negarlo e mettono in poesia la crudeltà dell’esistenza.

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THE BATMAN - DAL 4 AL 14 MARZO (NO 13 MARZO)
2022-03-14 21:00 - 23:30
DAL 4 AL 14 MARZO (NO 13 MARZO)

Venerdì 4: ore 21.00

Sabato 5: ore 17.30 e 21.00

Domenica 6: ore 17.30 e 21.00

Lunedì 7: ore 21.00

Venerdì 11: ore 21.00 ORIGINAL VERSION

Sabato 12: ore 17.30 e 21.00

Domenica 13: NO CINEMA – (SPETTACOLO TEATRALE VASSILISSA E LA BABA JAGA)

Lunedì 14: ore 21.00

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Regia: Matt Reeves
con: Robert Pattinson, Zoë Kravitz, Jeffrey Wright, Paul Dano, Andy Serkis.
Genere: Azione, Drammatico
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Due anni trascorsi a pattugliare le strade nei panni di Batman (Robert Pattinson), incutendo timore nel cuore dei criminali, hanno trascinato Bruce Wayne nel profondo delle tenebre di Gotham City. Potendo contare su pochi fidati alleati – Alfred Pennyworth (Andy Serkis) e il tenente James Gordon (Jeffrey Wright) – tra la rete corrotta di funzionari e figure di alto profilo della città, il vigilante solitario si è affermato come unica incarnazione della vendetta tra i suoi concittadini.

Quando un killer prende di mira l’élite di Gotham con una serie di malvagi stratagemmi, una scia di indizi criptici spinge il più grande detective del mondo a indagare nei bassifondi, incontrando personaggi come Selina Kyle / alias Catwoman (Zoë Kravitz), Oswald Cobblepot / alias il Pinguino (Colin Farrell), Carmine Falcone (John Turturro) e Edward Nashton / alias l’Enigmista (Paul Dano). Mentre le prove iniziano a condurlo più vicino alla soluzione e la portata dei piani del malfattore diventa chiara, Batman deve stringere nuove alleanze, smascherare il colpevole e rendere giustizia all’abuso di potere e alla corruzione che da tempo affliggono Gotham City.

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VASSILISSA E LA BABA JAGA - DOMENICA 13 MARZO - SCIROPPO DI TEATRO
2022-03-13 16:30 - 18:30
DOMENICA 13 MARZO – ORE 16.30

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liberamente tratto da Alexandr Nikolaevic Afanasiev
di e con Ilaria Gelmi
produzione Teatro Evento

tecniche: teatro di narrazione e di figura
età: dai 3 anni

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Lo spettacolo trae spunto dalla fiaba dello scrittore russo Afanasiev, in cui una bambina di nome Vassilissa riceve in dono da sua madre una bambolina che le somiglia in tutto e che la aiuterà ad affrontare la temibile Baba Jaga. In scena, a narrare la storia è una sarta seduta su una sedia, che utilizza oggetti quotidiani. I vari oggetti sono maneggiati in modo tale da trasformarsi continuamente e da creare atmosfere e suggestioni sempre diverse. Ad esempio, un telaio trasporta lo spettatore dalla casa della strega al fitto del bosco. Diventa ora letto, ora tavolo, steccato, macchina da cucire. Nello svolgersi della storia, si incontrano vari personaggi che prendono vita grazie ad una sola attrice e molta fantasia. Ad un tratto, per esempio, anche una vecchia scarpa diverrà un personaggio che parla a suon di colpi di suola. Molta attenzione viene posta sul rapporto che Vassilissa ha con la sua bambolina, espressione della parte più intima e istintuale dei bambini, che alla fine permette loro di crescere.

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IL MATRIMONIO DI ROSA - MERCOLEDI' 9 MARZO
2022-03-09 21:00 - 23:30
MERCOLEDI’ 9 MARZO

Proiezione unica: ore 21.00

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Regia: Icíar Bollaín.

con: Candela Peña, Sergi López, Nathalie Poza, Ramón Barea, Paula Usero.

Genere: Commedia

Durata: 97 minuti

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UNA COMMEDIA BEN RIUSCITA SULL’IMPORTANZA DI AMARE SE STESSI CON LA GIUSTA MISURA.
Recensione di Giancarlo Zappoli

Rosa è una sarta che lavora nel cinema e vive a Valencia. Ha una figlia che ha avuto due gemelli e si è trasferita a Manchester ma non è propriamente felice. Suo fratello, che si sta separando dalla moglie, le affida tutte le volte che può i suoi figli mentre la sorella non ha tempo di occuparsi del loro anziano genitore che, tra l’altro, sta così bene con Rosa da voler lasciare la propria abitazione per andare a vivere insieme. Lei non regge più il carico e decide di lasciare la città per andare a riaprire il laboratorio di sartoria che fu di sua madre in una cittadina di provincia. Inoltre vuole sposarsi con la persona che ha deciso di amare di più.

Iciar Bollain ci offre un ulteriore sguardo sulle donne che ha la profondità della leggerezza.

Perché sarebbe stato più semplice proporre la tragicità quotidiana di una vita costantemente spesa a servizio degli altri che neanche più si accorgono di quanto stanno ricevendo ritenendolo ormai, se non ‘dovuto’, comunque normale. La sceneggiatura invece assume le connotazioni di una commedia in cui non manca l’acidità. Perché, a partire dall’incubo con cui inizia il film, ci ritroviamo dalla parte della protagonista in cui molti (e soprattutto molte) avranno modo di riconoscersi. Ma l’incubo si trasforma in breve in una narrazione che, grazie alle caratterizzazioni, dei fratelli e del padre di Rosa, ci ricorda come avesse ragione Oscar Wilde quando affermava: “Non fare agli altri quello che vorresti facessero a te. Potrebbero non avere i tuoi stessi gusti”.

Perché dal momento in cui Rosa ha deciso che stare meglio con se stessa è l’unica opzione possibile per poi vivere gli altri (ivi compreso un parafidanzato) non come un peso ma come un’occasione di condivisione, gli ‘altri’ si mettono in moto per esserle di aiuto. Esattamente con le modalità che a lei non piacciono o di cui non ha bisogno.

Grazie ad attori che sanno come gestire i propri ruoli il film ruota intorno al baricentro della necessità di acquisire la consapevolezza della propria condizione esistenziale senza finzioni e senza scappatoie pericolose (la sorella beve per superare le frustrazioni e il fratello invece mangia). Solo così, amando se stessi con la giusta misura, si potrà poi amare il prossimo.

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ARIAFERMA - MERCOLEDI' 2 MARZO
2022-03-02 21:00 - 23:30
MERCOLEDI’ 2 MARZO

Proiezione unica: ore 21.00

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Regia: Leonardo Di Costanzo

con: Toni Servillo, Silvio Orlando, Fabrizio Ferracane, Salvatore Striano, Roberto De Francesco

Genere: Drammatico

Durata: 117 minuti

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DI COSTANZO SCANDAGLIA L’ANIMO UMANO GIOCANDO CON LO SPAZIO E SULLA MOLTEPLICITÀ DEI PUNTI DI VISTA.
Recensione di Giancarlo Zappoli

Un carcere ormai in degrado sta per essere chiuso. Arriva però un contrordine: 12 detenuti ed alcuni agenti di polizia penitenziaria dovranno restarci un po’ più a lungo degli altri perché la struttura che dovrebbe accogliere i detenuti non è a momento disponibile. Diventa quindi necessario gestire in modo nuovo il rapporto considerato che gran parte dell’edificio è ormai chiusa.

Leonardo di Costanzo prosegue con rigore il suo percorso di ricerca e di riflessione sulle dinamiche relazionali riprendendo il discorso iniziato con il suo film di finzione d’esordio, L’intervallo.

Là un ragazzo e una ragazza si trovavano confinati in uno spazio chiuso l’uno con il ruolo del carceriere (decretato dalla camorra) e l’altra in quello di prigioniera. I due, inizialmente distanti, finivano con l’avvicinarsi e con il conoscersi. Lo schema si ripropone ora ma con un salto produttivo notevole. Non ci sono più interpreti bravi ma sconosciuti come in quell’opera ma Servillo, Orlando e Ferracane nonché Striano tra i protagonisti.

Di Costanzo però, come detto, non perde il rigore del proprio sguardo indagatore dell’animo umano al di là delle convenzioni (come accadeva anche in L’intrusa) giocando sulla molteplicità dei punti di vista e sullo spazio. Perché non solo gli esseri umani ma le mura stesse dell’edificio raccontano in questo film. Raccontano di un edificio concentrazionario che è funzionale a fare riferimento non, come si potrebbe pensare, alle note vicende del carcere di Santa Maria Capua Vetere ma piuttosto, inizialmente, ai versi di Fabrizio De André “Di respirare la stessa aria dei secondini non ci va.”

In quelle mura corrose ci sono due microcosmi conviventi e, al contempo, separati dalle sbarre e dai reciproci ruoli. Il che non impedisce le divisioni all’interno dei singoli gruppi. Sostenuto da una colonna sonora musicale di tutto rispetto di Pasquale Scialò, Di Costanzo compie un’operazione di accerchiamento fisico e psicologico dei suoi personaggi (le celle sono in una rotonda) portandone progressivamente in evidenza le sfumature psicologiche.

Al centro finiscono con il trovarsi l’ispettore Gaetano Gargiulo di Servillo e il detenuto Carmine Lagioia di Orlando. Ma questo non deve trarre in inganno perché il film è un’opera corale in cui ogni dettaglio è curato con attenzione e partecipazione. Un esempio? C’è un “Ecco”, pronunciato da uno dei personaggi, che rappresenta la cartina al tornasole di come la sceneggiatura di Di Costanzo, Oliviero e Santella non si limiti ad essere funzionale alla messa in scena ma punti dritta al centro della ricerca di una possibilità di comprensione anche quando questa sembra impossibile.

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MUSEO PASOLINI - MARTEDI' 1 MARZO
2022-03-01 21:00 - 23:30
MARTEDI’ 1 MARZO – ORE 21.00

PROSA

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di e con Ascanio Celestini
produzione Fabbrica srl
progetto sostenuto da Regione Lazio con il Fondo Unico 2021 sullo Spettacolo dal Vivo

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Secondo l’ICOM (International Council of Museums) le 5 funzioni di un museo sono: ricerca, acquisizione, conservazione, comunicazione, esposizione.
In questo spettacolo Ascanio Celestini si interroga su come potrebbe essere un Museo dedicato a Pier Paolo Pasolini.
In una teca potremmo mettere la sua prima poesia: di quei versi resta il ricordo di due parole “rosignolo” e “verzura”. È il 1929. Mentre Mussolini firma i Patti Lateranensi, Antonio Gramsci ottiene carta e penna e comincia a scrivere i Quaderni dal Carcere. E così via.
Come dice Vincenzo Cerami: “Se noi prendiamo tutta l’opera di Pasolini dalla prima poesia che scrisse quando aveva 7 anni fino al film Salò, l’ultima sua opera, avremo il ritratto della storia italiana dalla fine degli anni del fascismo fino alla metà degni anni ’70. Pasolini ci ha raccontato cosa è successo nel nostro paese in tutti questi anni”.
Ascanio Celestini ci guida in questo ipotetico museo che si compone partendo da delle domande: qual è il pezzo forte del Museo Pasolini? Quale oggetto dobbiamo cercare? Cosa siamo tenuti a fare per conservarlo? Cosa possiamo comunicare attraverso di lui? E infine: in quale modo dobbiamo esporlo?

UNCHARTED - DA VENERDI' 25 A LUNEDI' 28 FEBBRAIO
2022-02-28 21:00 - 23:30
DA VENERDI’ 25 A LUNEDI’ 28 FEBBRAIO

Venerdì: ore 21.00

Sabato: ore 16.00, 18.30 e 21.00

Domenica: ore 16.00, 18.30 e 21.00

Lunedì: ore 21.00

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Regia: Ruben Fleischer

con: Tom Holland, Mark Wahlberg, Antonio Banderas, Sophia Ally, Tati Gabrielle

Genere: Azione, Avventura

Durata: 115 min

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Tratto dall’omonima saga videoludica di successo, Uncharted è un progetto che cerca di arrivare al cinema già dal 2008. Numerosi registi hanno abbandonato l’avventura e vari attori sono stati nominati per la parte, ma alla fine toccherà a Tom Holland, ormai volto di punta della Sony, incarnare l’avventuriero Nathan Drake. Un Drake quindi più giovane di come lo si vede abitualmente nel videogame, ma di certo già pronto a sfidare rovine perdute e loschi trafficanti, come quello interpretato da Antonio Banderas. Il ruolo del mentore Sully tocca a Mark Wahlberg, quello dell’interesse romantico a Sophia Ali (in Tv in The Wilds) e la regia è stata affidata a Ruben Fleischer (Zombieland e Venom).

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QUI RIDO IO - MERCOLEDI' 23 FEBBRAIO
2022-02-23 21:00 - 23:30
MERCOLEDI’ 23 FEBBRAIO

Proiezione unica: ore 21.00

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Regia: Mario Martone

con: Toni Servillo, Maria Nazionale, Cristiana Dell’Anna, Antonia Truppo, Eduardo Scarpetta (II).

Genere: Drammatico

Durata: 133 minuti

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UN’OPERA AMBIZIOSA, RESISTENTE, TRAGICA, DOVE LA NAPOLI DI SCARPETTA DIVENTA EMBLEMA E REPERTORIO DI TUTTE LE EMOZIONI DEL MONDO.
Recensione di Marzia Gandolfi

Eduardo Scarpetta, popolare e smisurato capocomico, vive per il teatro e per mantenere i suoi figli. Numerosi e (il)legittimi si passano come un testimone Peppiniello, personaggio simbolico di “Miseria e nobiltà”. Tra una sfogliatella e una scappatella, Scarpetta crea il moderno teatro napoletano e una famiglia allargata, un magnifico intreccio di energie e talento che cresce sul palcoscenico e incrementa nel talamo. In gioventù ha sposato Rosa De Filippo, di cui riconosce il figlio illegittimo, Domenico, e con cui concepisce Vincenzo e Maria, in segreto ha avuto una relazione con Anna, sorellastra di Rosa, da cui ha già avuto due figli. Ma è Luisa, nipote di Rosa, l’amore di cui ha più appetito e da cui nascono Titina, Eduardo e Peppino. Mattatore che non conosce limiti e creanza, scrive “Il figlio di Iorio” per burlarsi del D’Annunzio (“La figlia di Iorio”) ma il poeta non apprezza e lo querela. Sulla scena del tribunale dovrà vedersela con giudici e detrattori. Parodia o plagio?

Qui rido io è una questione di paternità, biologica e artistica. È una questione di ‘plagio’, illegittima appropriazione della paternità di un’opera. È ‘faccenda’, insomma, di vincoli affettivi ed effetti legali.

Mario Martone, uomo di cinema e di teatro che si confronta ogni giorno con gli attori, i testi e le epoche, rintraccia la poesia semplice dell’opera di Eduardo Scarpetta e disegna il profilo del padre naturale e artistico di Titina, Eduardo e Peppino De Filippo, nomen nescio all’anagrafe.

Coglie l’artista agli inizi del Novecento quando la sua ‘maschera’ (Felice Sciosciammocca) è in crisi e il cinema brilla di mille fuochi. Ad altezza di bambino, il punto di vista è quello di Eduardo De Filippo, appena promosso al ruolo di Peppiniello, Martone osserva la sua singolare origine di figlio d’arte. Figliastro o nipote, Eduardo chiamava ‘zio’ Eduardo Scarpetta, che tradiva la moglie Rosa De Filippo con la nipote acquisita, Luisa De Filippo. Da questa ingarbugliata genealogia si sarebbero ramificate due famiglie parallele, tre figli legali da una parte (Domenico, Vincenzo e Maria Scarpetta) e tre figli illegali dall’altra (Titina, Eduardo e Peppino De Filippo), educate per incontrarsi a teatro.

Alla maniera di Eduardo (De Filippo), Martone sposta sul piano del ‘palcoscenico’ le definizioni del rapporto di Scarpetta con i suoi figli. L’artista napoletano incarna le abitudini da patriarca dentro un film che rileva l’abuso patriarcale, da cui nasce come un paradosso una bottega familiare e una quantità di testi e tessiture teatrali che si intrecciano, permangono, si ricorrono, si trasformano, si rigenerano fino a determinare nuove soluzioni.

Qui rido io tira un filo della trama misurando la propria invenzione drammatica con quel gioco combinatorio di napoletanità e respiro universale che furono le creazioni degli Scarpetta-De Filippo. A partire da Morte di un matematico napoletano, Martone crea a ritmo lento (qui vivace con brio) un’opera cinematografica ambiziosa, resistente, tragica, legata all’irredentismo della sua città natale dentro un paesaggio italiano (sempre) in ambasce.

La Napoli di Scarpetta è per Martone l’emblema di un’Italia più vasta, il repertorio di tutte le emozioni del mondo e la lente attraverso cui analizzare a fondo il rapporto tra il singolo e la società, tra genitori e figli. La parola canta e le canzoni declamano dentro uno spettacolo che celebra Napoli, il suo splendore e le sue miserie, la sua umanità irriducibile e barocca. Per una tale impresa serviva un attore-mostro, una risata enorme, rabelesiana. Toni Servillo vive da sempre nel mondo di Scarpetta e di De Filippo, è lo specchio di quel mondo, una città aperta. Come Napoli è un teatro en plein air, dove corpo e lingua vanno insieme. Dietro al trucco interpreta un predatore sessuale che possiede e disprezza le donne, un avventuriero prima che un padre e un marito. Sul palcoscenico è ‘Felice’, un personaggio contenitore fuori dal tempo, perché Scarpetta non concettualizzava, era un pittore di emozioni non un architetto di riflessioni.

Martone osserva il quadro d’epoca, raccoglie le prove e le lascia interagire, dando ‘na voce al segreto di Eduardo De Filippo, che viveva la sua nascita come una vergogna, e alla rassegnazione muta delle donne, perennemente ingravidate, che troveranno domani la forza di Filumena Marturano. La ‘prostituta’ che sovverte i codici borghesi e forma una famiglia dove il principio di paternità legittima perde il suo significato.

A ossessionare lo Scarpetta di Martone è il desiderio di essere riconosciuto, la volontà che “Il figlio di Iorio”, parodia della tragedia pastorale di D’Annunzio difesa in tribunale da Benedetto Croce, perito di parte, venisse ‘riconosciuta’. Disattesa resta la frustrazione legittima dei figli illegittimi, invitati a partecipare soltanto a un apprendistato artistico e professionale.

Frammentato e intimo, eccessivo e ludico, il film tradisce più una sconfitta che una conquista, ribadendo una relazione padre-figlio esclusivamente scenica. Qui rido io è la storia tragicomica di un capocomico-patriarca e di una compagnia di figli-nipoti, che a turno ripetono la parte: “Scarpetta m’è pate a me”.

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LE SORELLE ROBESPIERRE - MARTEDI' 22 FEBBRAIO
2022-02-22 21:00 - 23:30
MARTEDI’ 22 FEBBRAIO – ORE 21.00

PROSA

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con Alessandro Fullin e Simone Faraon

testi e regia Alessandro Fullin

direzione artistica Sergio Cavallaro

costumi Monica Cafiero

produzione Musa Produzioni Srls

Maximilian-Francois-Marie-Isidore de Robespierre aveva molti nomi, un fratello e anche due sorelle, di cui una sarà scrittrice.

Malgrado questa verità storica lo spettacolo scritto da Alessandro Fullin non racconta la loro storia.

Il nome Robespierre è usato semplicemente per la sua capacità evocativa, è un cognome che subito spaventa quanto una ghigliottina.

Ingrediente fondamentale di questo spettacolo è infatti il Terrore: in una cupa prigione femminile, mentre la Cittadina Champignon legge la lista delle prossime condannate, una madre e due figlie (di cui una di cartapesta) si fanno coraggio, rimpiangono la loro spensierata vita, sperano nell’arrivo della Grazia ma soprattutto si fanno a pezzi con rivelazioni crudeli e sconvolgenti.

L’Ancien Régime è al suo tragico epilogo ma le nostre eroine non hanno tempo per preoccuparsi del Terzo Stato in ascesa: sono i loro amori infelici quelli che, prima della lama del boia, gli hanno già fatto perdere la testa.

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Lo spettacolo è audiodescritto per non vedenti e ipovedenti a cura del Centro Diego Fabbri di Forlì.

Anche per la stagione 2021/22, ATER aderisce con il Cinema Teatro Mac Mazzieri a “Teatro No Limits”.

Il progetto, grazie al contributo della Regione Emilia-Romagna, porta l’audiodescrizione a teatro e consente anche alle persone non vedenti e ipovedenti di apprezzare questa arte meravigliosa. L’audiodescrizione rende “visibili” scene, costumi e movimenti degli attori, cioè quei particolari silenziosi che permettono al pubblico con disabilità visiva di assistere pienamente allo spettacolo.

Ingresso omaggio per gli utenti non vedenti e ipovedenti.

Info e prenotazioni:

– Cinema Teatro Mac Mazzieri tel 0536 304034 info@cinemateatromacmazzieri.it

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ASSASSINIO SUL NILO - DA VENERDI' 11 A LUNEDI' 21 FEBBRAIO
2022-02-21 21:00 - 23:30
DA VENERDI’ 11 A LUNEDI’ 21 FEBBRAIO

Venerdì 11: ore 21.00

Sabato 12: ore 18.30 e 21.00

Domenica 13: ore 16.00, 18.30 e 21.00

Lunedì 14: ore 21.00

Venerdì 18: ore 21.00 ORIGINAL VERSION

Sabato 19: ore 18.30 e 21.00

Domenica 20: NESSUNA PROIEZIONE – SPETTACOLO DI TEATRO “IL MARE BLU” PER SCIROPPO DI TEATRO

Lunedì 21: ore 21.00

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Regia: Kenneth Branagh.

con: Jodie Comer, Gal Gadot, Armie Hammer, Kenneth Branagh, Tom Bateman, Annette Bening

Genere: Drammatico

Durata: 127 min

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Dopo Assassinio sull’Orient Express, Kenneth Branagh torna per la seconda volta nelle vesti di Hercule Poirot, il geniale detective belga inventato da Agatha Christie. Assassinio sul Nilo è ovviamente basato sul romanzo “Poirot sul Nilo” ed è diretto da Branagh che, proprio com’è successo in occasione del primo film, ha a disposizione un cast di livello altissimo – del resto, le opere della Christie sono note per avere una forte impronta corale. Se gli incassi dovessero essere soddisfacenti non è escluso che si possano produrre ulteriori sequel: lo stesso Branagh ha ammesso che gli piacerebbe molto che il suo Poirot diventasse protagonista di un universo cinematografico tratto dalle opere della Christie.

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IL MARE BLU - DOMENICA 20 FEBBRAIO - SCIROPPO DI TEATRO
2022-02-20 16:30 - 18:30
DOMENICA 20 FEBBRAIO – ORE 16.30

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liberamente ispirato a Il potere magico di Dilo di Horace Dobbs
con Andrea Monticelli e Roberta Colombo
disegni Michela Bellagamba
ideazione e regia Teatro del Drago
produzione Teatro del Drago
tecniche: teatro d’attore e di figura, narrazione
Età: dai 4 anni
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Dilo è un piccolo di delfino e come tutti i cuccioli è animato dall’entusiasmo per la vita e la voglia di correre, scoprire, giocare. Poiché non c’è nessuno a tenergli compagnia, Dilo decide di partire all’avventura e così di volta in volta tutte le altre creature del mare diventano suoi compagni di giochi. Dino però è anche un cucciolo speciale, in quanto ha disegnata sul dorso una stella visibile solo a chi conosce il segreto del mare. Ciò significa che avrà anche una missione da compiere. Roberta Colombo in uno spazio di veli blu, narra la storia. La accompagnano ombre, pupazzi e oggetti mossi a vista attraverso un gioco di proiezioni di immagini con le tonalità del mare. Andrea Monticelli anima dal fondo, accompagnando la recitazione con luci e musica. Lo spettacolo è ispirato al diario di bordo dell’imbarcazione a vela Lady Blu, del 1864, di cui non si sa con esattezza nemmeno se l’autore sia uomo o donna, o forse un bambino, ma le storie al suo interno parlano di vita, di animali e di amicizia.

ITALIA K2 - MERCOLEDI' 16 FEBBRAIO
2022-02-16 21:00 - 23:30
MERCOLEDI’ 16 FEBBRAIO

Proiezione unica: ore 21.00

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PER I SOCI CAI: biglietto ridotto 4€

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Anno: 1954-2021
Paese: Italia
Durata: 60′
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Montaggio realizzato nel 2021 a partire dalle riprese di Mario Fantin per il documentario Italia K2 di Marcello Baldi (Italia, 1955) per gentile concessione di Club Alpino Italiano. Selezione e montaggio a cura di Andrea Meneghelli. Testi di Albino Ferrari. Italia K2 di Baldi è stato restaurato dalla Cineteca di Bologna in collaborazione con il Centro di Cinematografia e Cineteca del CAI e il sostegno del MiC.

Musica originale di Teo Usuelli orchestrata e adattata da Daniele Furlati per gentile concessione di Michele dall’Ongaro, eseguita dall’Orchestrae dal Coro del Teatro Comunale di Bologna diretti da Timothy Brock

Mario Fantin, bolognese classe 1921, con la sua macchina da presa ha documentato le spedizioni più avventurose dirette ai quattro angoli del globo. Prima fra tutte, la mitica conquista italiana del K2 nel 1954. Abbiamo deciso di presentare quelle immagini (poi confluite nel film Italia K2 di Marcello Baldi, in corso di restauro) senza commento parlato accompagnandole con le musiche scritte, all’epoca, dal maestro Teo Usuelli, eseguite dall’Orchestra del Teatro Comunale di Bologna. Fantin effettuò tutte le riprese fino a 6560 metri, poi fu obbligato a fermarsi e istruì gli alpinisti che poterono così documentare la parte finale della scalata. Mai in precedenza riprese cinematografiche erano state effettuate a tali quote. Il restauro restituisce tutta l’emozione alle immagini e all’impresa compiuta dagli uomini della spedizione. Le immagini sono così potenti che si ha la sensazione di assistere al compimento dell’ultima odissea umana sulla terra. E le riprese, liberate dalla retorica dell’epoca, ci fanno riscoprire lo sguardo etico di Fantin, capace, in condizioni impossibili, di trovare sempre l’inquadratura giusta, quella che ci racconta lo spirito profondo di quest’avventura, il rapporto tra l’uomo e la natura, la bellezza suprema delle montagne, la sfida umana per superare i propri limiti.

SE NON POSSO BALLARE... NON E' LA MIA RIVOLUZIONE - MARTEDI' 15 FEBBRAIO
2022-02-15 21:00 - 23:30
MARTEDI’ 15 FEBBRAIO – ORE 21.00

PROSA

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ispirato a IL CATALOGO DELLE DONNE VALOROSE di Serena Dandini
con Lella Costa
progetto drammaturgico di Serena Sinigaglia
scrittura scenica di Lella Costa e Gabriele Scotti
scene di Maria Spazzi
regia di Serena Sinigaglia
ambientazione sonora di Sandra Zoccolan
costumi di Antonio Marras
a cura di MISMAONDA produzione CENTRO TEATRALE BRESCIANO e CARCANO CENTRO D’ARTE CONTEMPORANEA
partner THE CIRCLE ITALIA

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Serena Dandini e Lella Costa convergono in uno spettacolo teatrale che porta la firma di Serena Sinigaglia.
In scena donne intraprendenti, controcorrente, spesso perseguitate, che hanno lottato per raggiungere traguardi che sembravano inarrivabili. Donne valorose che seppure hanno segnato la storia, per uno strano sortilegio raramente vengono ricordate, con difficoltà appaiono nei libri di storia e tanto meno sono riconosciute come maestre e pioniere.
Marie Curie, Tina Anselmi, Tina Modotti, Martha Graham Pina Bausch, Maria Callas Angela Davis, e tante altre entrano una dopo l’altra, chiamate a gran voce con una citazione, un accenno. Tante eppure non ancora tutte le valorose nella voce e nei gesti di Lella Costa che come un gran cerimoniere le invita a entrare e balla con loro. Perchè, come disse magistralmente e per sempre una di loro, Emma Goldman, se non posso ballare questa non è la mia rivoluzione.

MADRES PARALELAS - MERCOLEDI' 9 FEBBRAIO
2022-02-09 21:00 - 23:30
MERCOLEDI’ 9 FEBBRAIO

Proiezione unica: ore 21.00

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Regia: Pedro Almodóvar

con: Rossy De Palma, Penélope Cruz, Milena Smit, Aitana Sánchez-Gijón, Israel Elejalde.

Genere: Drammatico

Durata: 120 minuti

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IL RITRATTO GENETICO DI UNA NAZIONE IN CUI TUTTO È IN MOVIMENTO, A COMINCIARE DALLE EMOZIONI.
Recensione di Marzia Gandolfi

Compagne di ‘gravidanza’ in una clinica di Madrid, Janis e Ana diventano madri lo stesso giorno. Janis è una fotografa affermata, Ana un’adolescente anonima. La nascita di due bambine crea un legame forte che evolve in maniera simmetrica. Janis ha deciso di crescere da sola la figlia che l’amante, un antropologo forense, non ‘riconosce’ come sua, Ana, ‘abbandonata’ dai genitori sempre altrove, fa altrettanto. Ma il destino è dietro l’angolo e finirà per incontrarle di nuovo dentro una Spagna che fa i conti col passato e il DNA nazionale.

Con La voce umana, monologo di una donna respinta trasformato in una performance pop ed esplosiva, Pedro Almodóvar sperimentava il vuoto e svuotava la sua cassetta degli attrezzi. Un gesto liberatorio che gli permette oggi di ‘costruire’ altre cose, conservando tuttavia il suo universo, i suoi colori accesi, la pop art, gli affetti speciali.

Rotta l’illusione del décor cinematografico, filmando l’hangar in cui è allestito il finto appartamento di una donna alienata dalla sua passione, un corto dopo realizza Madres Paralelas e passa al mélo critico con l’implacabile finezza politica di Douglas Sirk.

Non è la legge del desiderio a muoverlo questa volta ma la legge della “Memoria histórica”, approvata alla fine del 2007 dal Governo Zapatero per restituire a un popolo i suoi morti. Un popolo che chiede di riconoscerli e di piangerli. Un’esigenza sollecitata nel film dal personaggio di Penélope Cruz, spinta dall’urgenza di restituire una degna sepoltura al suo bisnonno. Janis lo ha promesso a sua nonna e alla sua bambina appena nata, perché la Memoria non ha a che fare col passato ma col presente e il futuro.

Almodóvar si muove lungo la sutura di una transizione (politica) ambigua e di un Paese mai davvero ricomposto. Senza rinunciare all’empatia prodigata ai suoi personaggi, a interessargli visibilmente è la nativa Spagna, a cui torna come da un esilio e che filma non più come territorio mentale, un sogno che impasta coi colori materia proustiana, ma come terra da scavare (letteralmente), riesumando i fantasmi della Guerra Civile.

Ritratto genetico di una nazione, Madres Paralelas è quello che Hollywood definisce, e mai definizione fu più luminosa, un movie motion pictures, immagini (emozionanti) in movimento. Una formula, magica e chimica, che Almodóvar applica per realizzare i suoi film più belli. Nel suo cinema tutto è movimento, a cominciare dalle emozioni, un’azione ‘di dentro’. In questo senso, un melodramma è un film d’azione, un’avventura intima da cui usciremo in lacrime, stravolti dall’instabilità romanzesca, le montagne russe sentimentali, le peripezie (in)verosimili che mai come in questo film elevano la trama da foto-romanzo a tragedia (iberica). Ancora una volta è una questione di maternità. Perché la guerra sarà pure è un’affaire da uomini ma per il regista un uomo è prima di tutto un figlio.

Se in Dolor y gloria Penélope Cruz era la dea protettrice e radiosa dei ricordi di infanzia, generatrice di fiction che diventavano storie che confortano, in Madres Paralelas è genitrice di memoria storica. Attrice familiare come Banderas, per lei immagina un’altra madre, disegna un fato, pianifica un destino, a cui la sua protagonista reagisce perché per Almodovar come per Sirk, gli individui non smettono mai di riscrivere la loro storia, di evolversi, di fare ammenda, di diventare altri, qualche volta migliori, qualche altra peggiori.

Nell’opera di Almodóvar l’identità non è mai fissa, è forse il regista più transgender del nostro tempo, converte cuori, corpi e menti tracciando fluidamente il percorso che una persona deve fare per superare i pregiudizi del suo ambiente, le proprie resistenze e ogni altra cosa sia disposta a sacrificare per non rimpiangere i suoi sogni o viceversa per rimpiangerli. Madre due volte, della ‘sua’ bambina e di un’adolescente che non ha il ‘peso’ del trauma (150.000 cadaveri senza un nome), Janis è un’eroina fiammeggiante, un impasto di colori che divora progressivamente l’oscurità, educa le nuove generazioni, fa il suo lutto e concepisce forse l’uomo di domani. Meglio, la donna, Milena Smith nuova musa almodovariana affatto almodovariana. Corpo estraneo al suo cinema, lo era in fondo anche l’alterità incandescente di Tilda Swinton (La voce umana), la giovane attrice è un volto immediatamente sublime e sublimato, che apporta una differenza e una prospettiva sul tempo presente in relazione al passato.

Almodóvar ripercorre le ‘impronte genetiche’ dei nonni della nazione, un’azione memoriale che ripara e conferma la narrazione melodrammatica non come ‘storia d’amore’ scollata dal suo ambiente ma come qualcosa a cui pensare mentre ci meravigliamo a ogni sequenza. Come per Sirk e Fassbinder, anche per Almodóvar il melodramma è un processo di trasmissione di senso che può parlare criticamente di un’epoca. Se le ‘corde’ del genere sono sempre catastrofiche o provvidenziali, il destino melodrammatico è sempre politico o sociale. Madres Paralelas è tutto quello che il melodramma permette, accordando due ‘storie’ parallele.

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UNA FAMIGLIA VINCENTE - KING RICHARD - DAL 4 AL 7 FEBBRAIO
2022-02-07 21:00 - 23:30
DAL 4 AL 7 FEBBRAIO

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Proiezione unica: ore 21.00

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Regia: Reinaldo Marcus Green

con: Will Smith, Saniyya Sidney, Demi Singleton, Aunjanue Ellis, Tony Goldwyn.

Genere: Sportivo, Biografico

Durata: 144 minuti

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All’inizio degli anni ’90, Richard Williams è un ex atleta che vive a Compton, in California, con la moglie Brandy, le tre figliastre e le sue due figlie naturali: Venus e Serena. Convinto che le sue ragazze diventeranno future campionesse del tennis, le allena tutti i giorni nei campi liberi del loro quartiere malfamato e visita instancabilmente i principali tennis club dello Stato per convincere le alte sfere del tennis a prendere le figlie sotto la loro ala. Insistente e autoritario, Richard guiderà e seguirà passo passo le carriere di Venus e Serena (quest’ultima più giovane di due anni dalla sorella), arrivando a realizzare tutti i suoi sogni, anche a costo di perdere la stima della moglie.

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IL LUPO E IL LEONE - SABATO 5 E DOMENICA 6 FEBBRAIO
2022-02-06 19:00 - 21:00
SABATO 5 E DOMENICA 6 FEBBRAIO

Sabato: ore 17.00 e 19.00

Domenica: ore 17.00 e 19.00

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Regia: Gilles de Maistre

con: Molly Kunz, Graham Greene (II), Charlie Carrick, Derek Johnson, Rhys Slack.

Genere: Avventura, Family

Durata: 99 minuti

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Alma è una giovane promettente pianista, in lizza per la filarmonica di Los Angeles. La morte del nonno la riporta, però, d’urgenza tra i boschi canadesi in cui ha trascorso l’infanzia. Qui fa amicizia con la femmina di lupo artico a cui il nonno era solito offrire ospitalità e, una mattina, dopo una violenta tempesta, si ritrova letteralmente tra le mani un cucciolo di leone, scampato ad un atterraggio aereo di emergenza. Quando anche la lupa porta in casa di Alma il suo cucciolo, il piccolo di lupo e quello di leone diventano inseparabili. Ma mamma lupa scompare improvvisamente e Alma non se la sente di ripartire: tocca a lei, ora, fare da madre ai due animali e assicurarsi che non accada loro nulla di male.

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THE FRENCH DISPATCH - MERCOLEDI' 2 FEBBRAIO
2022-02-02 21:00 - 23:30
MERCOLEDI’ 2 FEBBRAIO

Proiezione unica: ore 21.00

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Regia: Wes Anderson.

con: Benicio Del Toro, Adrien Brody, Tilda Swinton, Léa Seydoux, Frances McDormand

Genere: Commedia, Drammatico, Sentimentale

Durata: 108 minuti

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UN MONUMENTO ALLA GRAZIA CON UN FLUSSO ININTERROTTO DI DIALOGHI E UNA PARATA DI GRANDISSIMI ATTORI.
Recensione di Marzia Gandolfi

Arthur Howitzer Jr., figlio del fondatore e proprietario del quotidiano “The Evening Sun” di Liberty (Kansas), ha convinto anni prima il padre a finanziare un supplemento domenicale e ha installato la redazione a Ennui-sur-Blasé. Espatriata in Francia, “Picnic” diventa “The French Dispatch” e copre ‘con stile’ la cronaca del paese. Perché intorno alla sua scrivania, Horowitzer Jr. ha raccolto i migliori giornalisti del suo tempo. Archeologi del quotidiano, ‘inseguono’ su campo il soggetto che gli è stato assegnato: una contestazione studentesca che volge in idillio, l’indagine di un commissario sulla pista dei rapitori di suo figlio, un artista psicotico e galeotto innamorato della sua secondina, il necrologio di Arthur Howitzer Jr, che ha posato la penna. E l’ultimo numero sarà un’antologia di articoli, i migliori, dedicata a lui. Si stampi.

Benvenuti nel nuovo conte di Wes Anderson, che trasloca in Francia (il film è girato a Angoulême) con un bastimento carico di attori e un flusso ininterrotto di dialoghi.

Parole che diventano la musica ammaliante di un film che è gourmandise per gli occhi. Ogni inquadratura meriterebbe che ci fermassimo per cogliere tutti i dettagli che riempiono lo spazio e l’universo personale di un autore per cui il cinema è soprattutto arte pittorica.

The French Dispatch è una collezione di storie ‘adattate’ dalla gazzetta diffusa nella città immaginaria di Ennui-sur-Blasé. Un album di ‘figurine’ e figuranti nobili ma fissi. Come in un vero giornale, i registri (cronaca nera, necrologi, società, cultura, cucina…) si succedono compulsivamente, inciampando sul colore, il bianco e nero, il romanzo grafico. L’iperattività del racconto, la sua messa in scena, la composizione dei quadri, la costruzione dei décor, qualche volta si fa estenuante, riducendo la storia a un pretesto, perché The French Dispatch spinge il patchwork più lontano, con le sue piccole storie incastonate, concepite come tanti capitoli visivi, meticolosamente realizzati a colori o a disegni animati.

Film inesauribile, che richiede senza dubbio più visioni per riconoscere anche solo i volti delle star (americane e francesi) che appaiono il tempo di un primo piano, The French Dispatch è l’omaggio di Wes Anderson a un mestiere che assomiglia a quello che fu il giornalismo e a un paese che assomiglia alla Francia. Piantata come una ‘casa di bambola’ al cuore di Ennui-sur-Blasé, la sede del giornale ospita una legione di attori (Tilda Swinton, Bill Murray, Owen Wilson, Benicio del Toro, Léa Seydoux, Mathieu Amalric, Lyna Khoudri, Edward Norton, Elisabeth Moss, Frances McDormand, Timothée Chalamet e ancora) venuti dalle due sponde dell’Atlantico anche solo per una replica, una battuta, per essere un frammento o un bagliore dentro un film costruito alla gloria della carta stampata e del cinema analogico.

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